theatre

L'ex-directeur de l'Odéon, Stéphane Braunschweig, propose en guise d'au revoir une mise en scène choc de la pièce de Tchekhov. Dans un décor désolé, il pousse les feux tragiques et écologiques allumés par l'auteur russe avec la complicité d'une troupe habitée. Le metteur en scène et scénographe part en beauté avec cette relecture sombre et émouvante du chef-d’œuvre de Tchekhov. Le parti pris, audacieux, de remettre au centre de La mouette la pièce dans la pièce, cette œuvre avant-gardiste créée et donnée par le personnage de Konstantin Treplev avec la jeune Nina, est parfaitement tenu. En faisant de l'univers apocalyptique imaginé par le jeune écrivain maudit Treplev, le décor de La mouette, Stéphane Braunschweig décale habilement le propos. Exit l'ambiance datcha et samovar : les personnages se déchirent au sujet de l'amour et de l'art dans une atmosphère de fin du monde, sur les rives d'un lac asséché semé de quelques rochers blancs et d'une barque funèbre. Entre Konstantin, qui désespère d'inventer le futur de l'art, sa mère Arkadina, actrice vieillissante qui se raccroche à ses triomphes passés, Trigorine, l'amant de celle-ci, écrivain à succès en mal de génie, et Nina, la Mouette, dont le rêve de théâtre se transforme en cauchemar, la machine infernale est en marche. Les affres de la création mêlées aux frustrations amoureuses poussent la pièce vers une tragédie existentielle que la traduction tranchante d'André Markowicz et Françoise Morvan fait résonner avec le monde anxiogène d'aujourd'hui. Cultivant l'épure avec brio, Stéphane Braunschweig s'autorise quelques effets spectaculaires comme cette volée de mouettes tombant soudainement des cintres. Sa direction d'acteurs est très juste, les dix rôles sont finement distribués. Chloé Réjon incarne une Arkadina ardente et terrifiée, Denis Eyriey un Trigorine beau gosse, veule à souhait, Jules Sagot, le jeune geek du Bureau des légendes, un Konstantin au bord de l'implosion, et avec naturel, Eve Pereur se met dans la peau fragile de Nina, elle y est touchante surtout dans la deuxième partie. On a connu des Tchekhov plus contrastés offrant davantage de respirations comiques. Mais en mettant en relief la dimension écologique visionnaire de la pièce et en lui conférant une gravité nouvelle, Stéphane Braunschweig fait voler La Mouette très haut et donne aussi une dimension nouvelle à des rôles féminins.

La mouette est à voir au Théâtre de l'Odéon jusqu'au 22 décembre.

Comédie sombre et cinglante mise en scène par Jean-Michel Ribes, Projection privée raconte la déliquescence d’un couple qui ne partage plus rien, et la place immense que prend la télévision dans ce ménage à la dérive. Gilles Gaston-Dreyfus, Clotilde Mollet et Joséphine de Meaux s’emparent parfaitement de leurs personnages et donnent vie à l’extravagance du texte de Rémi De Vos : le spectateur rit devant cet enchaînement de situations et de dialogues absurdes et observe les trois protagonistes perdre pied avec le réel. Ces derniers vont jusqu’à se fondre dans le feuilleton américain bas de gamme "Puissance, gloire et luxure" pour en incarner les héros. Un moment aussi désopilant que révélateur de la dimension aliénante du virtuel. Le texte est féroce de drôlerie, dénonçant aussi bien notre infantilisante société médiatique qu'un enfer conjugal macho, montrant à quel point les dévoreurs de séries que nous sommes devenus confondent peu à peu fiction et réalité. Le dramaturge Rémi de Vos, auteur d'une vingtaine de pièces, conjugue à merveille absurde noir et cocasserie surréaliste. Il a trouvé en Jean-Michel Ribes le compère facétieux et délirant qu'il lui fallait, également grand directeur d'acteurs. Une mention particulière pour Clotilde Mollet irrésistible de drôlerie, qui est exceptionnelle en femme délaissée accro à son feuilleton, qui sombre dans la folie.

Projection privée est à voir au Théâtre du Petit Saint-Martin jusqu'au 28 décembre.

La serva amorosa est une comédie familiale et dans ce genre, c'est une sorte de chef-d'œuvre. L'extraordinaire Isabelle Carré dans la peau de Coraline, dirigée par Catherine Hiegel, qui avait tenu le rôle il y a quelque trente ans à la Comédie française, est au-delà de l'éloge. Dans un décor mobile à volonté, toute à la fois bouleversante et brutale, sensuelle et volontaire, parfois gouailleuse ou fine Florentine, elle promène sur la scène son dégoût de l'injustice. Il faut l'entendre répéter à l'envi cette merveilleuse injonction quand tout semble aller pour le pire : « Parlons de choses plus gaies ! » ou « Allons, un peu de bonne humeur ! ». Si séduisante lorsque, habillée de noir en clerc de notaire, tricorne sur le crâne, elle ouvre enfin les yeux de ce pauvre vieil Ottavio abusé par sa seconde épouse. Coraline raisonne, argumente sans relâche. Le riche négociant Pantalon ne s'y trompe pas lorsqu'il déclare : « Mais c'est une panthère, cette femme-là ! Elle fait le chat qui dort et puis, tout à coup, elle sort ses griffes ! » Le vrai sujet de la pièce, ce sont les motivations de Coraline et le titre, à ce point de vue, est trompeur. « Amorosa », peut-être, mais bien plus que cela : la « serva » sort de sa condition de domestique, elle est avant tout une femme. « Mais quelle femme ! », marmonne Pantalon. Et on se souvient de sa dernière tirade : « Que vive notre sexe, et que crèvent sur l'heure ceux qui oseraient encore en dire du mal ! » Voilà qui est dit, et bien dit. Catherine Hiegel n'est pas du genre à transposer les classiques dans un présent factice. Quand le rideau s'ouvre sur la première scène de La Serva amorosa, au théâtre de la Porte Saint-Martin, le public est résolument plongé dans l'époque de Goldoni : un XVIIIe siècle pastel représenté par des toiles peintes et des cloisons mobiles avec, en fond de scène, un panorama de Vérone. Vêtus de sobres costumes d'époque, les personnages du Molière italien s'animent sur un rythme de farce, avec une pointe de mélancolie qui ira grandissante. Ex-comédienne surdouée du Français, Catherine Hiegel a Goldoni chevillé au cœur après l'avoir joué à de multiples reprises, notamment sous la férule du maître Giorgio Strehler. Elle a ainsi profondément intégré la dimension subversive de l’œuvre du dramaturge italien. Non seulement cette pièce de 1752 inverse la hiérarchie maître et serviteur, une domestique manipule tout le monde et redresse les torts, mais par son intelligence et sa bravoure, son héroïne surpasse en tout point les hommes. D'une comédie classique faussement légère, Catherine Hiegel fait un brûlot féministe. Elle s'appuie sur une artiste de haut vol pour incarner la Serva amorosa : Isabelle Carré déploie un jeu très moderne, mélange de détermination, de vélocité, d'humour à froid et de tendresse rentrée qui confère au personnage une dimension épique. L'ensemble de la troupe n'est pas en reste et contribue pleinement à la très belle réussite de la pièce.

La serva amorosa est à voir au Théâtre de la Porte Saint-Martin jusqu'au 4 janvier.

Qui a peur ? est un précipité de réalité documentaire, un état des lieux des conflits politiques et intimes qui animent les artistes de théâtre aujourd’hui, mais où aussi le théâtre devient la scène métaphorique des dérives de notre société contemporaine et le lieu de tous les règlements de compte. De nombreux thèmes sont abordés comme la post-colonisation, le conflit de génération, le #metoo dans le monde de l’art, le politiquement correct, la discrimination positive, les relations de pouvoir sur les plateaux, et tout se dit frontalement, tout se joue pour pouvoir mieux s’en libérer, comme un exorcisme. Malgré tout, c’est aussi une déclaration d’amour à ceux qui inscrivent leur vie dans cet art. Le texte corrosif, retors, dérangeant et, pour toutes ces raisons, intrigant, est signé du dramaturge et romancier belge Tom Lanoye. Cet auteur de 65 ans est un explorateur des parts maudites de l’être humain, le monstrueux ne lui fait pas peur et il ne prend d’ailleurs pas de gants avec les héros de sa pièce. Tom Lanoye nous parle du milieu théâtral, mais aussi de crise sociale, d’absence de reconnaissance pour des vies dédiées à leur travail. La pièce s’attache à dire, par le jeu et le mensonge, la vérité sur le milieu artistique. Dans Qui a peur ?, une langue brutale et crue surgit, une langue qui creuse et fait apparaître la béance des failles des êtres. Il s’agit également d’un pastiche de la pièce Qui a peur de Virginia Woolf ? d’Edward Albee. Comme dans la pièce américaine, l’ambiance flotte entre hystérie et perversité, domination et humiliation, et les quatre comédiens, souvent très convaincants, s'en donnent à cœur joie dans ce registre. Qui a peur ? suscite le débat, pose des questions et nous épargne les réponses faciles, c'est tout à son honneur.

Qui a peur ? est à voir au Théâtre 14 jusqu'au 25 mai.

Rachel Arditi, la sœur de Pierre, et Justine Heynemann, la fille du réalisateur Laurent Heynemann, qui ont coécrit le texte, la première jouant dans la pièce et la seconde la mettant en scène, sont nées au moment où quatre filles en colère créent le premier groupe de punk féminin britannique, The Slits : entre 1976 et 1977. Les auteures en font des figures attachantes, dont l’épopée, qui durera quatre ans, jusqu’en 1979, s’incarne en un spectacle formidablement vivant, énergique et tendre. La musique, jouée et chantée en direct par de très bons interprètes, fait ici partie intégrante de la dramaturgie : elle se tisse parfaitement avec les dialogues et la narration. L’époque revit à travers les morceaux choisis et réinterprétés avec brio, et qui composent un véritable paysage fait de colères, de désirs, de sensibilité et de lucidité face au Royaume Uni de Margareth Thatcher : De Patti Smith aux Clash, en passant par les Sex Pistols, les Stooges d'Iggy Pop voire même les Rolling Stones, sans oublier les propres chansons des Slits. Justine Heynemann et Rachel Arditi inventent dans cette pièce les dessous du parcours de ce groupe comète dans un mélange d’humour, d’impertinence joyeuse et de mélancolie embrumée, à travers une écriture espiègle et délurée, malicieuse autant que profonde, avec cette façon de faire vivre des détails, de créer des personnages touchants, des situations expressives, dans une succession de scènes qui nous font basculer du rire à l'émotion. De l’histoire de ces quatre filles coiffées avec un pétard, qui se cognent à la vie, au machisme et aux abus, de ces quatre jeunes femmes puissantes et fragiles à la fois, ces aventurières qui n’ont pas eu froid aux yeux et ont réussi à conserver d’arrache-pied le contrôle total de leur image auprès de leur maison de disque, Justine Heynemann et Rachel Arditi en tirent une épopée scénique réjouissante et galvanisante qui reconnecte avec la faculté d’agir coûte que coûte quand le désir est là, d’essayer plutôt que de rester dans son coin, quitte à se planter, suivre ses instincts, ses convictions, ses motivations, ne pas abandonner. Sur un plateau au désordre tout punk, à la sauvagerie endiablée, leur désespérance est pleine de vitalité, de rythme, de musicalité brute et folle. Une comédie musicale comme on n’en a guère l’habitude, frémissante de colère et d’audace, qui nous transporte totalement.

Punk.e.s est à voir à la Scala à Paris jusqu'au 6 avril.

Dennis Kelly, qui est depuis une vingtaine d’années un auteur phare de l’autre côté de la Manche à la fois de théâtre mais aussi de séries, comme l'excellente Utopia chroniqué sur ce blog, s’empare d’une période récente mais qui, on le sent, commence à entrer dans l‘Histoire, celle du confinement. Quatre ans déjà en effet que le monde s’arrêtait et que nous étions assignés plusieurs semaines à résidence face à la violence de la pandémie de Covid. Quatre ans déjà qu’il fallait signer des autorisations pour sortir de chez soi et que les cellules familiales étaient mises à rude épreuve. Or, quand on est un couple comme celui de Together, qui d’emblée déclare se détester, réciproquement, on imagine le caractère vertigineux de l’aventure. Le texte de Dennis Kelly déploie parallèlement d’autres dimensions : Un arrière-plan politique où se rappellent à notre mémoire ce monde d’après qui n’adviendra certainement jamais, mais aussi les manquements, en Angleterre encore plus criants qu’en France, dans le traitement de la pandémie par les autorités publiques. Également bien sûr, car c’est l’une des marques de fabrique de l’auteur anglais, cette insondable violence que chaque humain porte en lui, capable du meilleur comme du pire, d’amour comme de haine, d’altruisme comme de cruauté. Dans Together, l’histoire du couple emprisonné dans le confinement s’épaissit d’un deuil familial, d’une sexualité à la fois éruptive et menacée de disparition mais aussi de ce petit être qui cimente le couple, leur fils Alfie, qu’on ne voit jamais et qui semble bien intrigué par la mort. Très complémentaires Emmanuelle Bercot et Thomas Blanchard interprètent parfaitement ce couple qui avance sur une ligne de crête entre la gravité, la violence des propos, la noirceur des sujets et la manière dont l’auteur les traite avec cet humour décapant. Une nouvelle fois remarquable, Emmanuelle Bercot, mélange de gouaille, d'ironie et de rébellion frustrée, l'actrice-réalisatrice passe avec finesse du comique au tragique. Cette pièce, qui se caractérise aussi par un savant et récurrent jeu d’adresses au public, navigue de manière très harmonieuse entre l'humour et le drame, le rire et les larmes dans l'intimité de ce couple qui se déteste, mais qui en même temps s'aime toujours, avec une dimension politique très bien sentie.

Together est à voir au Théâtre de l'Atelier.

On connaissait Stéphane de Groodt comédien et chroniqueur, qui n’a pas son pareil pour jouer avec les mots à la vitesse de l’éclair souvent dans le registre de l'absurde, désormais il est également auteur. Dans sa première pièce, Un léger doute, il joue aux côtés de l'excellent Éric Elmosnino, ainsi que Constance Dollé et Bérangère McNeese, toutes deux très à l'aise dans le dédoublement de leurs personnages et dans les situations décalées que provoquent le texte. C’est un voyage en absurdie, selon son expression, que nous propose de découvrir Stéphane de Groodt. Il explore avec finesse et ingéniosité la vie d’un acteur lorsque le public sort de la salle, laissant ses personnages sans vie. Le rideau se baisse, les spectateurs s’en vont et ensuite ? Quand le rideau se relève, s’agit-il de la comédie qui se joue ou de la vie qui reprend ses droits ? Entre fiction et réalité, on ne sait plus qui est qui… Avec ce scénario original, ce Léger Doute nous emmène dans le monde singulier, mais pluriel de Stéphane De Groodt, sur les traces d'un Ionesco ou d'un Beckett. L’idée de cette pièce lui est venue pendant le confinement. Quand il n’y a pas de public, qu’il n’y a personne pour regarder les personnages, les comédiens, que deviennent-ils ? Eh bien, les personnages meurent… Quand il n’y a pas un regard porté sur eux, qui sont-ils ? Comme le dit l'auteur : Si vous vivez seul sur une île déserte, vous ne savez pas si vous êtes grand, petit, intelligent, drôle… On a besoin du regard de l’autre. C'est une espèce de mise en abyme du théâtre, une pièce dans la pièce. Dans un laisser-aller progressif, les comédiens incarnent parfaitement exaspérations, mesquineries et dégoûts suscités peu à peu par la vie de couple, et se retrouvent dans des quiproquos hilarants qui démantèlent les règles du savoir-vivre. Avec cette acuité loufoque, qui fait tout le charme de son style, Stéphane De Groodt embarque avec lui les doux rêveurs que nous sommes, ceux qui aiment la bizarrerie et la poésie burlesque, dans cette pièce où le rire est au rendez-vous.

Un léger doute est à voir au Théâtre de la Renaissance jusqu'au 7 janvier.

A-t-on vraiment envie de rire en ce moment ? On pourrait dire que c'est le propre des époques troublées : le monde va à sa perte, dansons sur un volcan. Raviver et moderniser la comédie de 1851 d’Eugène Labiche Un chapeau de paille d’Italie est le pari gagné du grand metteur en scène de théâtre public, Alain Françon, avec ses 19 interprètes sur le plateau, ce qui devient extrêmement rare. Vincent Dedienne et Anne Benoît sont au cœur d’une troupe survoltée et d’un trio de musiciens qui interprète en direct dans les loges proche de la scène une partition électro-pop de Feu! Chatterton. La musique ne fait pas que meubler les changements de décor, elle entraîne les corps dans une course folle, tirant le spectacle par moments vers la comédie musicale. La pièce multiplie les quiproquos les plus dingues, avec au passage un jeu de massacre dont personne ne sort grandi : bourgeois parisiens, salons aristocratiques, commerçants de province. En 1851, Un chapeau de paille d’Italie était en avance sur son temps, le vaudeville ne prenant essor que dans le dernier tiers du XIXe siècle, mais Labiche pose déjà les bases de ce genre théâtral et de sa folie souterraine. Derrière l'amant dans le placard, le mari trompé, les quiproquos et les portes qui claquent, se cache la bêtise crasse d'une classe, la bourgeoisie, obsédée par l'argent. Les rapports hommes-femmes y sont vus avec une pertinente drôlerie flirtant avec l’absurde, et une contemporanéité étonnante. Alain Françon a suffisamment d'élégance pour faire entendre sans surligner la violence du patriarcat dans un art de la comédie qu'il pousse au burlesque. Vincent Dedienne est drôle, facétieux, virevoltant, et toute la troupe est au diapason avec une mention spéciale à Anne Benoît, qui se glisse avec truculence dans la peau du beau-père à rouflaquettes, et Suzanne de Baecque, godiche sacrifiée qui se contorsionne de manière irrésistible dans sa robe de mariée, mise à mal par une épingle coincée. L'intrusion d’un groupe de rock dans une fable du XIX^e siècle est un anachronisme réjouissant. Car si les costumes sont d’époque, la portée de la mise en scène d'Alain Françon est, pour sa part, contemporaine. Elle vient percuter une société dont les tropismes racontent du monde une tendance actuelle et fâcheuse à radicaliser les différences plutôt que de les apaiser. Ces différences d’origines sociales, géographiques, sexuelles ou intellectuelles s’exposent et s’affrontent dans Un chapeau de paille d’Italie. Alain Françon a intelligemment choisi de monter cette pièce folle entre lumière et noirceur, tendresse et férocité dans une mise en scène physique fondée sur la course, l'absurde et le grotesque.

Un chapeau de paille d'Italie est à voir au Théâtre de la Porte Saint-Martin jusqu'au 31 décembre.

Cette pièce particulièrement bien ficelée, créée en 2010, lauréate de trois Molières dont celui de la meilleure pièce du théâtre privé, avait connu à l'époque un beau succès avec 700 représentations, elle est reprise aujourd'hui dans une nouvelle version au Théâtre Hébertot. Les deux autres Molières étaient revenus à Julien Sibre, qui a adapté et mis en scène la pièce de Vahé Katcha. Cinq amis sont invités chez les Pélissier pour l’anniversaire de madame. Nous sommes en 1942, dans un appartement bourgeois. Les victuailles proviennent du marché noir : tout va bien malgré la guerre. Mais deux officiers allemands sont tués au pied de l’immeuble et tout bascule dans le cauchemar. En représailles, la Gestapo exige qu’ils choisissent deux otages parmi eux. D’autojustifications en petites lâchetés, de comportements odieux en gestes ignobles, tous les personnages se compromettent. La mise en scène rend bien compte de la mécanique infernale déclenchée par l’injonction barbare. Les dessins animés de Cyril Drouin, projetés par moments en arrière-plan, ont la force et la noirceur de ceux de Marjane Satrapi, et les comédiens déploient une énergie efficace, notamment l'excellent Thierry Frémont, abject en collabo, pour interpréter ce texte féroce, voire insupportable mais souvent drôle sur la médiocrité humaine.

Le repas des fauves est à voir au Théâtre Hébertot.

Emmanuel et Armelle Patron, frère et sœur dans la vie, ont écrit une pièce qui pulvérise la relation entre parents et enfants une fois que l’argent pénètre par effraction dans la chère famille. Tout le monde en prend pour son grade et, dans des scènes ubuesques, cocasses et renversantes, la comédie manque de se muer en tragédie. Cette farce jubilatoire démantèle le lien familial sans s’encombrer de tabous inutiles. D’une manière ou d’une autre, chaque spectateur se reconnaîtra dans les coups de griffe que s’échangent les personnages. Ce spectacle, malin, fin, intelligent et vif, convoque sur scène cinq comédiens dont le plaisir est communicatif et le talent au service de cette comédie à rebondissements incessants, et à la précision dramaturgique implacable. Pas un dialogue ne sonne faux. Pas un cliché qui ne vole en éclats.

Chers parents est à voir au Théâtre de Paris jusqu'au 2 avril.