On connait surtout de David Lean, sa période hollywoodienne et ses trois immenses succès que sont Le pont de la rivière Kwaï, Lawrence d’Arabie et Le docteur Jivago, mais avant cela le cinéaste a réalisé quelques très beaux films dans son Angleterre natale. Deux ans avant sa version d'Oliver Twist, David Lean s’affirmait déjà comme le meilleur adaptateur de Charles Dickens à l’écran avec cette splendide version des Grandes Espérances. Respectant à la fois la lettre et l’esprit de ce grand roman initiatique, il ne se contente pas d’en illustrer les péripéties, il entremêle génialement extérieurs et décors de studio, expressionnisme et classicisme, selon les besoins du récit. Le cinéaste use d’une imagerie romantique, quasi fantastique par moments, et retranscrit merveilleusement l’univers de Dickens, notamment dans le Londres grouillant de vie du XIXe siècle. Aussi remarquable directeur d’acteurs que technicien, David Lean révèle dans ce film Alec Guinness alors débutant et la délicieuse Jean Simmons, tous deux tenant ici des seconds rôles mais dont on connait la très belle carrière qui les attend. Si ce film de 1946 n'est pas le plus connu de David Lean, il gagne à l'être, tant il nous transporte à travers un superbe noir et blanc dans une histoire aux nombreux rebondissements et aux personnages plus complexes qu'ils n'y paraissent.

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L'immense championne a éclaboussé de son talent l'année 2021 en remportant le titre olympique individuel et par équipe et pour la cinquième fois le championnat du monde. Son palmarès, le plus beau de l'histoire du judo féminin français, est désormais presque aussi impressionnant que celui de la légende Teddy Riner. Nul doute qu'elle aura à cœur de l'enrichir encore aux Jeux de Paris 2024. En étant pour la troisième fois championne des championnes, elle devient encore un peu plus l'une des plus grandes sportives françaises.

Dans ce bouleversant petit film, qui fait partie des favoris dans la course au César du meilleur court-métrage 2022, le cinéaste et comédien Maxime Roy filme avec sensibilité le combat d’une femme pour rester à flot. Au chômage, enceinte de huit mois, elle lutte contre les pressions constantes de sa mère, de son compagnon, de Pôle emploi et contre une précarité qui semble inévitable. Le film regorge de très beaux plans au plus proche des comédiens, particulièrement la formidable Clara Ponsot, interprète d'une émouvante justesse, qui évite l’écueil du larmoyant et du misérabiliste. Avec un regard naturaliste, le cinéaste capture la dureté d’un système qui ne laisse aucune chance aux plus démunies. Un court-métrage peut avoir la puissance d'un long et nous procurer des émotions aussi fortes, on aurait tendance à l'oublier.

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Ils étaient d'immenses comédiens, Philippe Noiret, Jean-Pierre Marielle et Jean Rochefort ont tellement marqué le cinéma français qu’on ne peut penser à la France des cinquante dernières années sans les retrouver si présents dans notre imaginaire. Trois doux dingues issus de la moyenne bourgeoisie de province, qui avaient fui l’ennui. Ce trio de farfelus perclus de doutes et de complexes était lié par une solide amitié qui datait de leurs débuts chaotiques. Tous les trois étaient un peu désolés par leur physique, et ont su en faire un atout, un outil pour insuffler de l’humanité dans leurs rôles, pour incarner des gens « normaux ». Au fil de ces personnages qu'ils incarnaient, ils vont devenir dès les années 70 des acteurs populaires à l’aise dans tous les genres, et vont s'installer durablement dans la vie des français. Séducteurs et râleurs, bons vivants et beaux-parleurs, attachants et ordinaires, ils peuvent tout jouer : les cons magnifiques, les beaufs minables, les bourgeois, les aristos, les aventuriers. Leur bonne humeur est contagieuse, leurs colères sont superbes et leur optimisme irrésistible. Jouer, oser, se régaler semblait être leur inusable devise. A travers des extraits bien choisis de leurs films, des archives rares et des entretiens avec des acteurs et réalisateurs qui les ont bien connus, ce documentaire nous raconte, par la voix d'Antoine de Caunes, l'épopée joyeuse de cette mythique bande de copains, en suivant au gré des décennies le fil ininterrompu de leur amitié. Quel plaisir de les revoir.

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Cette nouvelle version de Madame Bovary offre une lecture inédite du chef-d'œuvre de Flaubert, plus sociétale et avec un écho contemporain. En plus de relater l'histoire d'Emma Bovary, le film nous transporte en plein cœur du procès de Gustave Flaubert, qui avait été jugé pour outrage à la moralité publique et religieuse et aux bonnes mœurs en 1857, après la publication de son ouvrage. Grâce aux nombreux allers-retours entre plaidoiries et scènes du roman qui structurent le téléfilm, Emma Bovary devient une héroïne féministe et non plus une figure de transgression. Le film évoque de nombreux thèmes qui retentissent encore dans notre époque, tels que la sexualité, le couple, la maternité, la condition de la femme, les déceptions amoureuses, les ambitions inachevées... Plus l’héroïne s’affirme, plus elle devient dangereuse aux yeux de la société. Ce qui lui vaut les attaques, réelles, du procureur Ernest Pinard, joué par Laurent Stocker, le même qui s’attaquera, quelques années plus tard, aux « Fleurs du mal », de Baudelaire. À ce jeu, Camille Métayer, interprète passionnée d’Emma Bovary, est impeccable, de même que Thierry Godard dans le rôle de son mari. La grâce enfantine de la comédienne, qu’on voit pour la première fois à l’écran, se mue petit à petit en sensualité affirmée. On réalise soudain que si Emma Bovary avait été un homme, il n’y aurait pas eu de procès, peut-être même pas de livre. Le suicide d’Emma Bovary prend le goût amer d’un féminicide, dont la société tout entière serait coupable.

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En voici un extrait très parlant :

Superbe relecture d'un morceau d'AC/DC bien meilleure que l'original, par Steve ‘n’ Seagulls, un groupe finlandais avec un chanteur qui sait chanter et des musiciens au top, jouant banjo, mandoline, contrebasse, cuillères, enclume, batterie et accordéon. Chapeau messieurs !