theatre

On connaît Christophe Honoré en tant que cinéaste, dont on avait adoré "Plaire, aimer et courir vite" et "Chambre 212" notamment, on connaît moins le dramaturge et l'écrivain mais aussi le metteur en scène de théâtre et d'opéra. Ce génial artiste touche à tout nous offre ici une pièce qu'il a écrite et mise en scène où il convoque les fantômes de sa famille dans un précipité d'émotions entre rire et larmes. C’est un moment comme Christophe Honoré sait en offrir, porté par une grâce, un art du romanesque et une légèreté magnifiques. Rien ne pèse ni ne plombe sous ce Ciel de Nantes pourtant chargé de tragédies familiales et sociales. Il y raconte l’histoire de sa famille maternelle avec le sens subtil d’un Proust d’aujourd’hui, pour qui le cinéma et le théâtre, en dialogue constant, joueraient le rôle occupé par la littérature chez l’auteur de la Recherche. L’enjeu n’est pas tant pour le metteur en scène de raconter son histoire, que de tirer avec sensibilité et humour les fils de ce passé, de voir comment ils se sont tressés, emmêlés, cassés et raccommodés, pour arriver jusqu’à lui et à sa vocation d’artiste. Et tout fonctionne, parce que tout est juste et aérien, merveilleusement bien joué par sept comédiens intenses, dont Chiara Mastroianni pour sa première très réussie au théâtre, parce que Christophe Honoré est aussi un enfant de Jacques Demy et que la fantaisie est au rendez-vous, et qu’il donne à ses personnages une vitalité irrésistible, une lumière. Parallèlement, Le Ciel de Nantes évoque des moments clés de l'histoire du XXe siècle de notre pays, la seconde Guerre mondiale, la guerre d'Algérie, l'évolution de la place des femmes dans la société, l'immigration et la montée de l'extrême droite. Fidèle à son habitude, Christophe Honoré mélange les genres, il y a des passages chantés, d'autres dansés, il invite également la vidéo sur scène à plusieurs reprises. Un spectacle vibrant entre violence, mélancolie, tendresse et un sens avéré de l'humour, dont on ressort conquis.

Le ciel de Nantes est à voir au Théâtre de l'Odéon jusqu'au 3 avril.

Ce spectacle drôle, émouvant, riche nous raconte l’amour, la poésie, la littérature, le théâtre et la culture. Seule en scène, Edwige Baily livre une performance époustouflante durant une heure vingt où elle interprète deux professeures de lettres très différentes, dont l'une, passionnée et totalement investie dans son métier, est inspirée de Gabrielle Russier, condamnée en 1969 à un an de prison pour avoir aimé un de ses élèves quasiment majeur, elle se suicide deux mois après sa condamnation, Annie Girardot l’avait interprétée dans le film "Mourir d'aimer". Quant à l'autre elle évoque avec fougue, des mimiques et une intonation cocasses, dans une langue fleurie et parfois trash, l'histoire d'Antigone, figure universelle de la résistance féminine. Edwige Baily glisse avec une aisance admirable et déconcertante d’un personnage à l’autre, elle excelle quel que soit le registre, comique ou dramatique, réaliste ou fantastique. Remarquablement écrit par Edwige Baily et Julien Poncet, le texte de ce spectacle épatant est une déferlante d'intelligence, d'humour, de verbe porté haut et de vie. A la fois plaidoyer enflammé pour la littérature, où de très nombreux auteurs sont convoqués, le spectacle est également un bel hommage à ceux qui transmettent, mais aussi un éloge de l'amour pur et absolu.

A voir au théâtre du petit Montparnasse.

Directeur associé du National theatre de Londres et artiste associé du théâtre de l'Odéon, le dramaturge et metteur en scène anglais de 36 ans, Alexander Zeldin, présente sa première pièce en français après une trilogie très remarquée sur les inégalités sociales. Pour cette nouvelle création, il s'est largement inspiré de son histoire personnelle et un peu du roman de James Agee, "Une mort dans la famille", pour évoquer une période marquante de son adolescence, lorsqu'à 15 ans son père meurt, et sa grand-mère emménage dans la maison familiale avant qu'elle ne soit placée dans un Ehpad un an plus tard. Il souhaitait ainsi aborder la fin de vie et la mort dans une fiction théâtrale, sujet tabou dans notre société, et comme il l'explique : « Refuser de regarder la mort, c’est refuser de voir certaines choses de la vie ». A son habitude, Alexander Zeldin s'est renseigné sur le terrain, en partant à la rencontre d'infirmières, aides-soignantes ou auxiliaires de vie dans des Ehpad d'Île-de-France afin de décrire fidèlement la réalité. A l'image de Maurice Pialat, Abdellatif Kechiche ou Ken Loach, auquel il est souvent comparé, ce qui nous fascine chez Alexander Zeldin est cette capacité à recréer minutieusement le réel, sans filtre, et de ce fait nous bouleverser par cette justesse dérangeante dans un premier temps mais qui s'avère très touchante au fil de la pièce. En mêlant acteurs professionnels, tous excellents, et des amateurs qui leur donnent parfaitement le change dans des rôles secondaires, il confirme sa pratique artistique en créant une alchimie inhabituelle qui évite les habitudes de jeu et apporte fraîcheur et vérité. Le théâtre d'Alexander Zeldin a un rôle primordial à jouer dans notre compréhension du monde, par sa puissance il nous questionne sur des sujets que l'on veut éluder, ne pas regarder en face, et parvient à nous les faire ressentir comme naturels, à nous émouvoir, et dans cette pièce à nous aider à affronter la mort, la vieillesse et comprendre ce que cela peut nous apprendre sur la vie.

"Une mort dans la famille" est à voir au théâtre de l'Odéon Berthier jusqu'au 20 février.

Il est étonnant que la dernière rencontre entre Alain Françon et Marivaux remonte à quarante ans. Du célèbre dramaturge, le grand metteur en scène, lauréat notamment de 3 Molières, n’avait jusqu’alors monté qu’une seule et unique pièce, La Double Inconstance, en 1981. Pourtant, les deux artistes semblent, peut-être encore davantage que d’autres, faits l’un pour l’autre, mus à la fois par un perfectionnisme de la tirade et par un même amour, une même obsession, une même foi en la langue, capable, sous leur houlette, d’ouvrir tous les possibles, de déplacer des montagnes intérieures et d’engendrer toutes les beautés. On peut difficilement trouver plus grand observateur, peut-être expert, de l’amour que Marivaux, et il livre ici un chef-d’œuvre de nuances, de cruautés et de retournements, sur l'amour mais aussi sur l'amitié, l'orgueil, les faux rapports, la condition des femmes et celle des domestiques, avec finesse, intelligence et une incroyable virtuosité ironique. Comme toujours chez Marivaux, le couple aristocratique est doublé par un autre, celui des serviteurs : Lisette, suivante de la marquise, et Lubin, valet du chevalier. Dans cette Seconde Surprise de l'amour, ce sont eux qui tirent les ficelles. Lisette et Lubin se plaisent, la chose pour eux est entendue. Mais pour pouvoir se marier, il faut qu’ils vivent dans la même maison. Ils vont donc manipuler la marquise et le chevalier, qui jurent avoir renoncé à jamais à l’amour, pour qu’ils tombent amoureux. Et ils vont y réussir, avec une intelligence imparable de ce qu’est la comédie de l’amour et de ses mécanismes, actionnant la jalousie, le dépit, la mauvaise foi, l’amour-propre, la solitude et le désir d’être aimés de leurs maîtres. Point de mièvrerie ici, de maniérisme, de mignardise, de préciosité, de marivaudage abscons, dans un décor à l'épure élégante, cette comédie existentielle de Marivaux empreinte de fraîcheur et de sincérité, met en lumière le génie du langage de l'auteur, la puissance absolue de la parole qui métamorphose les êtres.

A voir en tournée à Villeurbanne, Toulon, Caen, Versailles, Dijon, Colmar, Strasbourg, Aix en Provence, Saint-Étienne, Beauvais.

Avec Le champ des possibles, Élise Noiraud à la fois comédienne, auteure et metteuse en scène de 38 ans, signe un nouveau seule-en-scène, dernier volet d’une trilogie autofictionnelle, particulièrement abouti sur les affres du passage à l’âge adulte. A 19 ans, on n’est plus une enfant, pas tout à fait une adulte, on respire la jeunesse, on s’imagine une vie. Écrit au cordeau et joué avec une incroyable énergie, son spectacle nous embarque dans une histoire d’émancipation a priori banale, les premiers pas d’une jeune provinciale débarquant à Paris, mais qui se transforme en comédie humaine universelle, où se mêlent névroses familiales, espoirs déçus, désirs enfouis, lectures et rencontres déterminantes. Interprétant plus d’une dizaine de personnages, Élise Noiraud offre une performance théâtrale explosive à la fois drôle et sensible, où les scènes s'emboitent sans moment de suspension ou de conclusion, et où la comédienne passe avec une aisance bluffante, d’un personnage à l’autre. Même si tout paraît vrai dans l'histoire qu'interprète Élise Noiraud, il y a une petite part de fiction, et parmi les personnages qu'elle endosse, il y a sa mère, fil rouge du spectacle. Une mère aimante mais étouffante et culpabilisante. Une mère qui attend son retour dans le giron familial chaque week-end, et peu importe que sa fille ait prévu autre chose, une mère qui lui dit « tu fais ce que tu veux mais réfléchis bien, on n’est pas tout seul dans la vie », une mère qui cache sa dépression sous une fatigue constante et lui répète « je ne crois quand même pas avoir été la pire des mères ». Dans cette collection de figures hautes-en-couleur, chacun pourra retrouver des personnalités, des traits de caractère et des émotions qu’il a lui-même rencontrés. Et se souvenir, alors, de son propre champ des possibles. A la fois impressionnante performance de la comédienne et finesse d'écriture teintée d'ironie et de mélancolie, entre Philippe Caubère et Zouc, ce spectacle explore admirablement la conquête de la liberté d'une jeune femme, qui est loin d'être un long fleuve tranquille.

Le champ des possibles est à voir au Théâtre du Rond-Point jusqu'au 19 décembre.

Écrite en 1929 alors que Mussolini est déjà solidement installé au pouvoir, « Comme tu me veux » est une pièce inclassable qui donne le vertige, sur fond de ruines et de désastre de l'après-guerre, dans une Europe au bord d’un nouveau naufrage. Sous ses allures désuètes de drame bourgeois, l’œuvre de Pirandello prend les détours d'une farce noire pour aborder des sujets cruciaux : le déni, la manipulation des faits et les dommages psychologiques irréparables infligés par la violence et la Grande guerre. C'est par cet angle poignant que Stéphane Braunschweig a choisi d'aborder cette pièce féroce, dans une mise en scène d'une éblouissante clarté qui met en lumière la puissance de l'écriture de Pirandello. Dans une scénographie aussi belle qu'épurée, mais néanmoins inquiétante, où dans la deuxième partie sont projetées en arrière-plan sur des gigantesques rideaux des images d'archives de villes bombardées, on découvre le mystère de Lucia, une femme que l'on croyait morte après avoir été violée par des soldats d'une garnison autrichienne dans sa villa d'Udine en Italie du Nord durant la guerre. Elle réapparaît pourtant dix ans plus tard en danseuse de cabaret glamour à Berlin. Le metteur en scène installe une atmosphère de transgression, de décadence dans cette ville grouillante de liberté, de provocation et de sexualité débridée, qui sert superbement l'ambiguïté de la pièce. Dès la première scène, la frénésie inquiète, commence alors un jeu de simulacres dont le dramaturge a le secret, entre soupçons, souvenirs tragiques et écho historique pour explorer le relativisme de la vérité. L'ensemble de la troupe, Chloé Réjon en tête, qui ne cesse de se réinventer par-delà illusions et mensonges, passant de l'hystérie à la nuance, portent merveilleusement l'écriture de Luigi Pirandello, entre noirceur et éclat de lumière. En remettant remarquablement le dramaturge au goût du jour, Stéphane Braunschweig, qui pour la quatrième fois monte une pièce de Pirandello, tend un miroir saisissant à notre monde de peurs, de doutes et de fake news.

Après avoir été joué durant un mois à l'Odéon, cette excellente pièce sera en tournée en 2022, les 26 et 27 avril à Orléans, du 27 au 29 mai à Turin et le 29 juin à Berne.

Marc Fraize aime prendre son temps, parfois un peu trop, notamment au début de son spectacle, mais passée cette introduction, il provoque l’hilarité par l’expression de son ahurissement face au monde cruel dont il ne comprend rien. Après avoir, pendant plus de quinze ans, enrichi et bonifié son personnage inoubliable de Monsieur Fraize, antihéros magnifique, le comédien lui offre son âme sœur : Madame Fraize. Dans ce nouveau spectacle, cet humoriste singulier, clown de l’absurde à contre-courant de la vanne, de la punchline et du cynisme que la plupart de ses collègues utilisent, se pare d’une robe verte et d’une perruque atemporelles pour parler de l’amour et du temps qui passe avec une drôlerie et une tendresse irrésistibles. La métamorphose, chaque soir, dure une heure et demie. Il faut enfiler la robe verte, patiemment maquiller son visage, ajuster la perruque, enfiler les longs gants roses qui montent jusqu'au coude. « C'est du boulot d'être une femme », sourit Marc Fraize. Il y a du Jack Lemmon de "Certains l'aiment chaud" dans l'apparence de ce personnage, qui par petites touches nous parle d'amour, de bonheur, de vie commune, de quotidien, et crée une bulle poétique, parenthèse de douceur, de drôlerie et de joie dans un monde fatigué, cerné de nouvelles plombantes.

A voir jusqu'au 17 octobre au Théâtre du Rond-Point

Pendant dix ans, Anton Tchekhov et la belle Lydia Mizinova, chanteuse, actrice, traductrice et essayiste, qui inspira à l’écrivain russe la Nina de « La Mouette », vont multiplier les échanges épistolaires. Grâce à Nicolas Struve, leur correspondance, inédite en français, donne vie à un formidable spectacle interprété par David Gouhier et Stéphanie Schwartzbrod, tous deux très convaincants. Ce ne sont pas tant les personnages de Tchekhov et de Lika qu’ils incarnent que leur esprit. Un esprit joueur, primesautier, un désir fou de liberté dans cette Russie de la fin du XIX^e siècle, une mélancolie débordante de vitalité, qui se teindra de couleurs plus sombres au fur et à mesure que les années avancent, et qu’ils ne cessent de se voir et de s’écrire, au tournant du siècle. C’est elle, l’écriture, qui est au cœur de la mise en scène de Nicolas Struve, qui inscrit ses deux acteurs dans une boîte noire comme un tableau d’écolier, remplie de feuilles de papier blanc qui s’envoleront ou resteront entassées dans les coins. Sur ces grandes pages noires du décor, Lika et Anton écrivent et dessinent à l’eau des fragments d’amour, deux êtres aussi acharnés à traquer les promesses de bonheur qu’à les laisser s’enfuir. Leur histoire épistolaire s’apparente à une cuisine pimentée d’un humour qui canalise l’amertume ou l’aigre-doux du sentiment amoureux sous une mousse légère de jeux où les mots de l’un se voient renvoyer la balle dans la réponse de l’autre. Ce spectacle, traversé de finesse et d'intelligence, s'ouvre et se referme sur des extraits de cette pièce emblématique du théâtre russe, qui le soir de sa première essuya un échec total.

A voir au Théâtre de la Reine blanche jusqu'au 9 octobre.

Peu d’artistes peuvent se targuer de tourner depuis trente ans avec le même spectacle, comme Victoria Chaplin , géniale fille de Charlie Chaplin, et Jean-Baptiste Thierrée, son mari, le font avec Le Cirque invisible. Ce duo insolite peaufine les numéros de ce spectacle depuis 1990, l’adaptant selon les pays où ils se produisent ou leur humeur du moment. Présenté pour la première fois à Paris grâce à Jean-Michel Ribes, et repris plusieurs fois depuis, ce spectacle inclassable est de retour au Théâtre du Rond-Point pour quelques représentations. Depuis leur rencontre en 1969, Victoria Chaplin et Jean-Baptiste Thierrée, tous deux enfants de la balle, ne se sont jamais quittés, à la scène comme dans leur intimité. Le Cirque invisible, leur troisième production ensemble, est un concentré d’absurde et d’onirisme qui mêle magie, clowneries et acrobatie. Du haut de ses 84 printemps, Jean-Baptiste, avec sa coupe de cheveux de savant fou et ses costumes colorés, continue de jouer les clowns illusionnistes avec malice. Tel un grand-père tentant d’émerveiller ses petits-enfants, il enchaîne les numéros de farce et attrape, fait apparaître des fleurs en plastique à l’ancienne et convie sur scène de nombreuses marionnettes. Victoria, 70 ans, est un véritable acrobate caméléon d'une incroyable souplesse. À partir d’objets du quotidien qui prennent vie sous ses doigts agiles et de morceaux de tissu, elle donne naissance à des animaux et à des créatures fantastiques, devient une femme orchestre et transforme la scène en une piste de cirque étrange où l’onirisme et la poésie ont seuls droits de cité. Difficile de ne pas être attendris par ce couple de passionnés qui continue, malgré le passage du temps, à partager leur amour du spectacle avec le plus grand nombre. Une mention particulière pour Victoria Chaplin qui enchante ce spectacle de sa grâce, son talent et qui par ses attitudes ou mimiques nous renvoie l'image de son père, que l'on aimait tant.

A voir au Théâtre du Rond-Point jusqu'au 11 juillet.

A la fois d'une hilarité mordante parfois féroce et d'une profondeur satirique, "Tout le monde ne peut pas être orphelin" s'attaque à la cellule familiale en nous tendant un miroir où se reflètent des frustrations, des regrets, des rancœurs et des non-dits, que chacun reconnaîtra. Cette satire sociale délirante, qui dynamite les hypocrisies familiales avec des relents destructeurs et moqueurs, comme ces conversations creuses sur les problèmes de voisinage, le programme TV ou les itinéraires routiers, capte aussi dans un second temps le dévouement des enfants pour leurs aînés affaiblis. Passant de l’humour potache à des scènes scatologiques, d’épisodes déjantés à des moments plus poétiques, cette pièce jubilatoire, dont la mise en scène et le jeu des comédiens participent pleinement à cette impertinence politiquement incorrecte, électrocute nos existences comme rarement au théâtre.

A voir au Théâtre des Bouffes du Nord jusqu'au 4 juillet.