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Le rock’n’roll a souvent été entouré d’une mythologie l’associant à la drogue avec une sorte de fascination, mais Peter Perrett, qui s’en est sorti miraculeusement après avoir consommé tout ce qui existait en matière de drogues dures, met définitivement les choses au point : « La drogue détruit complètement la créativité. » Cela explique la si longue absence de cet artiste anglais de 65 ans, qui avait fondé un groupe à la fin des années 1970, The Only Ones, à la carrière fulgurante mais sabordée, leur leader disparaissant en 1981 du devant de la scène pour sombrer dans l’addiction. Ce retour que personne n’espérait, après plusieurs tentatives sans lendemain et pas très convaincantes,  est d’autant plus incroyable qu’il est totalement réussi, comme si Lou Reed et le Velvet Underground ressuscitait en Angleterre. On ne peut s’empêcher de penser à l’artiste américain et son groupe légendaire à l’écoute de Peter Perrett, mais il y a bien plus dans cet album intemporel, notamment une certaine proximité avec Peter Doherty. Les deux fils de Perrett ont d’ailleurs joué avec cet autre romantique autodestructeur au sein de son groupe Babyshambles. L’un guitariste, l’autre bassiste, ils accompagnent aujourd’hui brillamment leur père auteur compositeur interprète et guitariste également,  dont  la voix traînante, un rien désabusé chante des textes caustiques sur son époque, ou émotionnels voire introspectifs sur sa vie et ses proches. A travers dix morceaux d’une fort belle facture rock aux tempos plus ou moins soutenus et avec une guitare électrique très en verve, celle de Jamie Perrett, cet album nous semble familier tant ses racines sont évidentes mais apparaît aussi comme la formidable découverte du talent intact d’un artiste revenu de l’enfer.

Peter Perrett - How the West was won - Domino recording - 1 CD : 14,99 €.

Depuis une dizaine d’années, elle est devenue une référence de la chanson française par son inventivité et son originalité, en ayant su créer un univers qui lui est très particulier avec des sons, des onomatopées, des percussions corporelles et autres trouvailles surprenantes. A 39 ans elle a déjà obtenu 4 Victoires de la musique, collection qui devrait s’enrichir à la prochaine cérémonie tant ce nouvel album est une pure merveille. Indiscutablement son meilleur, où elle réussit à continuer d’explorer toutes les ressources de sa magnifique voix mais de manière peut-être un peu moins expérimentale et plus mélodique, en étant admirablement accompagnée de percussions et de musique électronique interprété par son compagnon. Conçu et enregistré dans un ancien monastère à Villeneuve Lès-Avignon, reconverti en centre national des écritures du spectacle et en résidence d’artistes, cet album d’une durée plus courte que la moyenne comporte onze morceaux où pas une note n’est superflue et tout y est d’une incroyable précision. La voix de Camille se démultiplie à l’infini, vu que c’est elle qui a enregistré tous les chœurs et vocalises qui se chevauchent et se répondent, c’est d’une beauté à couper le souffle, d’une intelligence structurelle qui laisse pantois. Tellement subjugué par ces jeux polyphoniques mais aussi par la finesse des jeux de mots, que l’on pourrait passer à côté du sens des textes poétiques de cette diplômée de Sciences-Po qui sait faire passer des messages dans ses chansons ludiques. Il s’agit là du disque d’une surdouée arrivée au sommet de son art, que l’on ne se lasse pas d’écouter tant il nous fait du bien, et qui chaque fois nous fait découvrir de nouveaux sons ou de nouvelles voix contribuant à la perfection harmonique et rythmique de cette œuvre indispensable.

Camille - Ouï - Because music - 1 CD : 14,99 €.

Cette jeune femme originaire du Bronx, qui en est déjà à son sixième album, franchit à 29 ans un palier et donne toute sa mesure à une voix, un univers d’une très belle richesse musicale et un message fort. Derrière le nom Hurray for the riff raff, que l’on peut traduire par Hourra pour la racaille, il y a Alynda Segarra, qui dans ce nouveau disque assume pleinement ses racines portoricaines, ce qui n’était pas forcément le cas jusqu’à présent, dont on retrouve les sonorités et les rythmes dans certains morceaux. Le reste de ce superbe album est composé de blues, folk, rock, soul, voire de gospel qui s’enchaînent naturellement à travers des mélodies et des tempos enthousiasmants. Il y a du Patti Smith chez cette artiste a, à la fois dans la magnifique voix puissante et rageuse qui sait aussi se faire plus douce, mais aussi dans l’attitude rebelle de par son vécu lorsqu’elle sillonnait l’Amérique en train de marchandises dès 17 ans, et par ce qu’elle représente aujourd’hui en encourageant dans ses chansons ses compatriotes bafoués à se réveiller pour vivre et s’opposer à M. Trump. Auteur, compositeur, interprète, elle joue de la guitare, du piano et des percussions, relayée pour celles-ci par d’excellents percussionnistes et entourée par des musiciens, qui passent d’un style à l’autre avec la même aisance, dont deux violonistes qui interviennent ponctuellement. Tout dans ce disque sonne juste, les paroles, la musique, la démarche, on ne peut qu’être touché par la beauté et la force de ces 12 morceaux. Tant qu’il y aura des artistes comme Alynda Segarra, les amateurs de musique vraie et non pas formatée continueront à dénicher des pépites comme cet album indispensable, dont malheureusement les médias de tous bords ne parlent pas suffisamment.

Hurray for the riff raff - The navigator - PIAS - 1 CD : 14,99 €.

Ce groupe britannique qui existe depuis 23 ans sort un magnifique huitième album, sur lequel il est impossible de ne pas ressentir l’envie irrésistible de bouger aux rythmes envoûtants de leur musique. Trois musiciens de Dreadzone sont issus du groupe Big Audio Dynamite créé en 1984 par l’ancien guitariste des Clash. Autrement dit, ils cumulent des influences et une expérience qui contribuent pleinement à la richesse de ce disque, sans compter le talent des trois autres membres du groupe. Parmi eux le chanteur jamaïcain Earl Sixteen, dont la superbe voix, digne des plus grands chanteurs reggae, ondule sur la plupart des 12 morceaux imparables de cet album. Il est relayé sur certaines chansons par un autre chanteur ou quelques invités qui s’intègrent parfaitement à l’ensemble. Les compositions sont faites d’un somptueux mélange de reggae, dub, musique électronique, dance, techno, soul, avec des pointes celtiques voire orientales. Si le rythme est roi dans cette musique hybride avec des basses et des percussions bien présentes, ainsi qu’un mix de trouvailles du meilleur effet, l’aspect mélodieux n’est pas en reste, il fait de cet album un sommet de cette mouvance musicale. De même pour les textes, qui sont socialement et émotionnellement engagés, où il y est question de racisme, d’injustice, et de différents maux de nos sociétés et de nos vies. Tout est réuni pour faire de ce disque un moment inoubliable, tant l’équilibre parfait trouvé par le groupe est, chose assez rare, autant une invitation à danser qu’un plaisir à écouter en boucle ses chansons, qui prouvent une nouvelle fois que le mélange des genres non seulement permet à la musique de constamment évoluer mais le plus souvent donne des petites merveilles.

Dreadzone - Dread times - Modulor music - 1 CD : 20 €.

Cet auteur-compositeur-interprète américain de 58 ans est peu connu du grand public, et pourtant son talent fait le bonheur de ceux qui ont pu l’écouter depuis une trentaine d’années, soit en groupe soit en solo comme ici avec son dixième album. Il est comme cela des injustices dans le domaine de la musique, où des pseudos stars accaparent la lumière alors que de grands artistes mériteraient tellement une reconnaissance à leur mesure. Ce disque est l’occasion rêvée de découvrir Mark Eitzel, qui en travaillant avec Bernard Butler, l’ancien guitariste du groupe anglais Suede, a ouvert son univers folk à une pop somptueuse. L’association des deux artistes donne onze morceaux d’une beauté à couper le souffle alternant puissance, lyrisme, entrain et fragilité. En plus de signer la réalisation de l’album, Bernard Butler y joue plusieurs instruments et apporte tout son savoir-faire, acquis en ayant travaillé avec de nombreux groupes et chanteurs de renom. La voix de Mark Eitzel suave, veloutée, vibrante ou simplement délicate se fait merveilleusement l’interprète de textes qui nous racontent une Amérique cabossée, avec des personnages se raccrochant à ce qu’ils peuvent, loin de l’Amérique de Trump. La palette musicale enrichie, de ce chroniqueur précieux d’un pays qui ne fait plus rêver, s’étale d’un folk nu à la sensibilité qui n’est pas sans rappeler Nick Drake, à une pop-rock aux rythmes efficaces en passant par des envolées symphoniques ou psychédéliques. Lorsque l’on a goûté aux différentes émotions que procure cet album indispensable, il devient illusoire de s’en passer. Cela confirme qu’en musique il faut toujours essayer de trouver ces pépites cachées et oubliées, leur découverte a une saveur incomparable

Mark Eitzel - Hey Mr Ferryman - Decor records/ La Baleine - 1 CD : 17 €.

Elle est incontestablement la révélation de ces derniers mois, que les spécialistes avaient découverts par le biais d'un mini-album en 2016. Avec la sortie de son premier véritable disque fin janvier, tout le monde en parle et c'est amplement mérité tant cette jeune ardennaise de 25 ans a un talent fou. Sa pop électronique qui rappelle les années 1980 a bien plus de charpente que ce qui se faisait à l'époque, mis à part quelques exceptions. Elle ose des chemins plus tortueux sans ne jamais oublier une séduction mélodique qui nous envoûte au fil des écoutes. Les synthés très présents contribuent autant à créer des ambiances mystérieuses que des tempos dansants. Ils permettent à Fishbach d'élaborer un univers singulier, qui n'a rien à voir avec ceux beaucoup plus creux de certains de ses collègues qui ont voulu se réapproprier ces sons des années 1980. La jeune artiste, au-delà de ses qualités de compositrice, a aussi pour elle une incroyable voix androgyne venue d'ailleurs, qu'elle emmène autant dans les aigus que dans les graves avec puissance ou douceur selon les morceaux. L'autre composante de ce talent hors-normes réside dans la qualité d'écriture de ses textes, d'une beauté sombre, qui fascinent par leur inventivité, les mots de Fishbach ne ressemblant à aucun autre auteur. La mort et l'au-delà sous différents angles apparaissent régulièrement tout au long des douze chansons, sans que l'on ne sente une morbidité malsaine mais plutôt quelque chose de naturel. Il faut dire qu'avec un oncle et une partie de sa famille dans les pompes funèbres ainsi qu'une mère aide-soignante en gériatrie, Fishbach a grandi dans un contexte qui rappelle la série Six feet under. Pour son étrangeté de prime-abord, ce superbe album nécessite plusieurs écoutes afin d'en apprécier toutes les richesses et laisser les frissons nous parcourir, après il devient impossible de s'en passer.

Fishbach - A ta merci - Les disques Enterprise - 1 CD : 13,99 €

Tellement de choses ont été dites ou écrites sur Peter Doherty, que l’on oublie parfois qu’il y a derrière l’image d’enfant terrible du rock anglais un talent d’auteur compositeur tout à fait remarquable. A 37 ans, il semble s’être sorti de l’enfer de la drogue et de tous les démons qui le poursuivent et ont failli l’anéantir comme son amie Amy Winehouse, à qui il rend hommage dans deux chansons. Avec ce deuxième album solo enregistré à Hambourg où il a séjourné plusieurs mois, sept ans après l’excellent Grace/Wastelands, Peter Doherty poursuit une carrière multiple. Dans une veine rock avec ses différents groupes, The Libertines ou Babyshambles, et plus contrastée lorsqu’il est seul comme ici, où son romantisme peut s’exprimer à travers une pop-folk d’une douce mélancolie. Sa voix si reconnaissable d’où émane un charisme participant à l’attrait que suscite celui qui n’a jamais supporté d’être considéré comme une star, et par moments des instruments plus acoustiques qu’à l’accoutumée font de cette nouvelle collection de onze chansons, un fascinant voyage intime qui nous permet de mieux connaître Peter Doherty. Cet album est assurément l’une des belles surprises de cette fin d’année, regorgeant de touchantes mélodies et de quelques incursions rock dont l’artiste a le secret.

Peter Doherty – Hamburg demonstrations – BMG – 1 CD : 15,99 €.

Dès les premières notes, le piano répond aux percussions puis les cuivres entrent dans le jeu et on est transporté directement au cœur de Cuba. C’est bien de cela dont il s’agit dans ce disque intitulé Abuc, le palindrome de Cuba. À 41 ans, le génial pianiste cubain Roberto Fonseca revisite la musique de son pays dans toute sa diversité. Avec des parents musiciens, il a commencé très tôt  son apprentissage par les percussions, cela s’entend constamment dans sa musique, avant de choisir le piano et devenir un jazzman de grande envergure et de renommée internationale. Passé par le Buena Vista Social Club où il a accompagné les plus grands chanteurs et musiciens cubains, il a aujourd’hui son propre groupe avec lequel il peut laisser libre cours à sa technique, son sens du rythme, et se montrer aussi inspiré dans les morceaux à l’incroyable swing que dans des passages plus intimistes. Son piano, qu’il soit au premier plan ou qu’il se fonde avec les autres instruments, nous éblouit  tout au long des 14 morceaux. La batterie, les percussions, la contrebasse et toutes sortes de cuivres ne sont pas en reste, de même que les voix cubaines invitées, comme celle de la maman de Roberto Fonseca qui chante un émouvant boléro. Talentueux compositeur, il conjugue la musique cubaine à tous les temps, aussi bien en ressuscitant l’ambiance des dancings de la Havane au son d’un grand orchestre, que dans des ambiances plus modernes, et quel que soit le temps employé, ses compositions nous touchent profondément. Ce superbe album, qui mêle les genres avec un étonnant naturel, est tout à la fois débordant d’énergie, de générosité et parsemé de moments de grâce au parfum nostalgique.

Roberto Fonseca – Abuc – Impulse ! / Universal – 1 CD : 15,99 €.

Après deux premiers albums qui ont rencontré un important succès public et critique, cette artiste danoise vivant à Berlin et chantant en anglais est devenue une valeur sûre de la pop internationale. A 36 ans, elle sort un troisième disque de toute beauté en élargissant son univers intimiste, où son piano et sa voix sont toujours au centre de sa musique mais entourés cette fois de nombreux autres instruments. Violon, violoncelle, clarinette, harpe, toutes sortes de claviers organiques et synthétiques dont elle joue elle-même, percussions, enchantent les dix superbes morceaux de cet album. Cet artiste complète, auteur compositeur interprète, s’occupe aussi de l’enregistrement et des arrangements de sa musique. On pense par moments à Kate Bush et son formidable « Hounds of love », un sommet de créativité dont on retrouve ici l’influence dans un croisement fascinant de genres musicaux. La pure musique classique n’est jamais loin dans les compositions d’Agnes Obel, mais elle lui inocule son univers fait de pop, folk et jazz aériens. Sa délicieuse voix se fait multiple, elle chante en duo avec elle-même ou avec des chœurs qu’elle assure aussi, en enregistrant plusieurs fois sa voix, ou en la manipulant, la faisant varier des graves aux aigus, et c’est tout simplement somptueux. Sa musique est sophistiquée, cinématographique, comme en apesanteur, puis plus insistante, elle nous enveloppe et fait monter des frissons d’émoi. A contre-courant de toutes les modes, cette femme discrète a écrit un album sur l’exigence dans la société d’aujourd’hui de transparence de nos vies, de révélation de l’intime, de surveillance, et bien évidemment elle s’inscrit en faux. Touché par la grâce de bout en bout, ce disque, d’une artiste rare et précieuse, est composé par petites touches à la manière d’un peintre, dont on se dirait à la fin de l’écoute qu’il s’agit bien d’une toile de maître.                                                                                                                     

Agnes Obel – Citizen of glass – PIAS – 1 CD : 14,99 €.

En écoutant les premiers accords de ce superbe album, on a d’abord l’impression de pénétrer un univers rock avec une guitare virtuose et une batterie lourde qui marque un rythme syncopé. Puis rapidement, des sonorités africaines, plus particulièrement du Sénégal, viennent brouiller les cartes, avant qu’une ligne mélodique orientale achève le tableau. Ce que vous avez cru reconnaître comme étant une guitare électrique est en réalité un oud, l’instrument roi du monde arabe, un luth avec une caisse en forme de demi-poire, que Mehdi Haddab a rendu électrique. Ce franco-algérien de 43 ans, qui sort avec Speed Caravan son deuxième album, a déjà eu plusieurs expériences musicales au sein d’autres groupes et fait admirer son talent en jouant avec Rachid Taha, Jacques Higelin ou Alain Bashung. Autant enfant du rock, dont il s’est abondamment nourri de Led Zeppelin à Jimi Hendrix, que de musique orientale dont il saupoudre magnifiquement ses compositions, il a choisi pour cet album conçu à Dakar de s’ouvrir encore un peu plus en intégrant des ambiances sénégalaises. La voix abrasive de Pape Diouf sur un des deux seuls morceaux chantés, l’autre étant par Hindi Zahra, des percussions enivrantes, des rythmes dansants, l’Afrique noire et le Maghreb se mélangent au rock puissant de Mehdi Haddab pour constituer une musique irrésistible qui se renouvelle sans cesse. Cette richesse tout au long des 9 morceaux s’aventure même sur un groove funk ou une envolée électro. En brassant naturellement les cultures et les genres musicaux, ce maître de l’oud électrique nous offre un album euphorisant d’une totale maîtrise, malgré la difficulté de ne pas se perdre en se nourrissant d’autant d’influences.

Speed caravan – Big blue desert – World Village/Harmonia Mundi – 1 CD : 17,85 €.