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Le pianiste et chef d’orchestre allemand Lars Vogt, directeur musical de l’Orchestre de chambre de Paris, qui est mort d'un cancer en septembre dernier à l'âge de 51 ans, nous avait offert son dernier enregistrement six mois plus tôt : Les deux concertos pour piano de Mendelssohn qu'il joue et dirige depuis son instrument. Dès les premiers accords du Concerto n° 1, Lars Vogt nous entraîne dans l’atmosphère solennelle de cette partition, alliant brio, panache, fougue et légèreté. Empreint de verve dans les passages soumis à un tempo rapide, il n’en est pas moins raffiné dans les thèmes lyriques, respectant intelligemment les proportions entre la virtuosité et la poésie. La formation qu’il dirige ne lui cède pas le pas, déployant des couleurs chatoyantes et joyeuses, notamment chez les vents. Porté par une énergie solaire, l’Orchestre de chambre de Paris se montre à la fois précis, plein d’amplitude expressive ainsi qu’attentif aux nuances que lui entonne le piano. Lars Vogt aligne les octaves, les gammes et les arpèges en les investissant dramatiquement. Il chante les passages rêveurs avec une sonorité de piano charnue, lumineuse, admirablement timbrée, phrasée de façon éloquente. Sa main gauche virevolte, soutient, relance, chante aussi et impose une pulsation rythmique irrésistible. Dans le deuxième Concerto, Lars Vogt subjugue par la finesse de son interprétation et inculque à cette page un souffle de profondeur. On se penchera sur la sonorité satinée des cordes, tout autant que sur la consistance des cuivres et la délicatesse des bois, adoucie par des demi-teintes pastel. On est ébloui par le génie de Mendelssohn, le plus précoce de l'histoire de la musique, il n'a que 22 ans lorsqu'il compose le concerto n°1 et a déjà à son actif nombre de symphonies et autres concertos ou sonates. Sa musique est parfaite de forme, de fond, d'inspiration, elle lance un pont entre les maîtres anciens (Bach surtout, mais aussi Mozart), ceux d'un présent encore palpable (Beethoven meurt quand Mendelssohn a 18 ans) et le romantisme dont il est l'un des maîtres dans le domaine symphonique avec Berlioz et Weber, avant l'arrivée de Schumann puis de Brahms. Voici un disque-testament poignant, une preuve éloquente que Lars Vogt était au sommet de ses possibilités artistiques, avec un énorme potentiel et une approche intelligente de l’interprétation et de la direction.

Ci-dessous quelques extraits de cet album magnifique :

Entré dans l’histoire pour un trou de mémoire, le live Ella in Berlin : Mack the Knife compte parmi les enregistrements mythiques du jazz, et constitue la meilleure introduction possible à l’art d’Ella Fitzgerald. Bien sûr, il y a cette improvisation en roue libre sur Mack the Knife quand, ayant oublié les paroles de Kurt Weill, elle se met à chanter tout ce qui lui passe par la tête et entraîne où elle veut un public berlinois ébahi par son extravagante façon d’allier assurance et plaisanterie, saut dans le vide et science infaillible du rythme et de la mélodie. Mais le reste est tout aussi fabuleux, avec le meilleur des frères Gershwin et d’Irving Berlin, Cole Porter et Rodgers & Hart qui ont fait la gloire de la chanteuse en studio. Comme par exemple, The Man I Love, des Gershwin, qu’Ella entonne avec l’ingénuité non feinte d’une jeune fille rêvant au prince charmant. Cet album qui date de 1960 est une merveille qui permet d'admirer la voix exceptionnelle avec une tessiture de trois octaves de cette artiste inoubliable.

Jesse Tabish, le leader de l'excellent groupe américain Other Lives, sort un premier album solo, Cowboy Ballad, de toute beauté dans la lignée du dernier disque du groupe, For their love sorti en 2020. Jesse Tabish étoffe ses chansons par des orchestrations soyeuses, inventives, par un sens mélodique évident. Comment apporter de la profondeur à des compositions au classicisme en trompe l’œil ? Peut-être en jouant avec le clair-obscur, avec les chronologies en allant chercher dans le patrimoine si large de l’histoire de la musique américaine. Peut-être aussi en s’assumant peut-être plus en conteur avec une ampleur narrative qu’en simple songwriter. Jesse Tabish glisse toujours une part d’étrangeté dans ses mélodies. Ce disque épique coécrit avec son épouse, également membre d'Others Lives, est fait des arrangements cinématographiques et des mélodies nostalgiques qui caractérisent l'univers musical du groupe, et nous régale tout au long des 14 morceaux dont les orchestrations assez bluffantes sont produites par les claviers de Jesse Tabish. Un album ample et sombre à la fois que l’on peut écouter comme la BO d’un western imaginaire. 

En voici 5 morceaux, représentatifs de ce très bel album.

Après le très gros succès il y a près de quatre ans de Jeannine, Lomepal est de retour avec un troisième album intitulé Mauvais ordre. Le rappeur français y chante davantage et abandonne l'écriture purement autobiographique pour évoquer l'identité et les apparences grâce à un personnage fictif. Lomepal aime bousculer l’ordre des choses, à commencer par les codes du registre qui l’a vu naître en tant qu’artiste : le rap. Déjà, en 2017, il avait cassé les règles esthétiques avec son premier album, Flip, sur la pochette duquel il apparaissait maquillé en femme, affichant une sensibilité peu courante dans ce genre musical. En 2018, avec Jeannine, il enfonçait le clou en faisant évoluer sa musique vers la chanson et en choisissant un thème à contre-courant des histoires de cité, la vie de sa famille sous l’influence d’une grand-mère psychotique. Deux albums qui ont remporté les suffrages du public, le premier étant certifié disque de platine, et le deuxième, disque de diamant. Dans Mauvais Ordre, la musique est résolument organique, les beats hip-hop sur lesquels reposent plusieurs chansons sont joués à la batterie. Enregistré principalement avec des musiciens, le disque mêle ambiances pesantes et groove imparable. Lomepal a le génie des accroches. Chaque chanson est lancée par un couplet qui plante irrémédiablement le décor. De sa voix de gorge langoureuse, magnétique, il ne rappe presque plus mais chante de mieux en mieux. Le rappeur a définitivement mué, se transformant en chanteur à textes, gardant du hip-hop la puissance de son groove. Au fil de quinze chansons, c’est un nouvel artiste que l’on découvre. L’ultrasensible s’assume désormais bien davantage comme chanteur. Cela donne, sur la plupart des titres, un fondu enchaîné de tchatche et de chant si fluide qu’il en devient quasi invisible. Mauvais Ordre parvient à fondre les époques et les émotions avec style, son habileté à mettre en mots le chaos intérieur reste intacte. Lomepal a le génie des accroches. Chaque chanson est lancée par un couplet qui plante irrémédiablement le décor où l’écriture du rappeur-chanteur, simple et directe, sans gras ni faciles démonstrations stylistiques, magnifie une sensibilité et une mélancolie qui irradient ce très bel album.

La chanson française se porte bien, merci pour elle, après le très bel album de Benjamin Biolay, voici celui de Dominique A, une merveille, qui vient s'ajouter à un répertoire déjà bien fourni en pépites comme Éléor, Vers les lueurs, L'horizon,... Le chanteur majuscule revient à une production aérienne et spacieuse qui happe dès le premier morceau. Cet album a été longuement mûri depuis quatre ans par son auteur-compositeur-interprète, qui s’est mis une pression artistique plus grande qu’à l’accoutumée. Le résultat est beau, dénudé, profond. Le propos, lui, ne laisse pas de place au doute : l'actualité brûlante s'invite, pour la première fois chez Dominique A. L'état de la planète, en l'occurrence, ne pouvait être passé sous silence : "Le fait de laisser l'époque m'imprégner, c'est quelque chose qui est venu avec les années. Mais je ne me vois pas ne pas en parler, ça m'inquiète comme beaucoup de gens. Et cette inquiétude contamine l'écriture." Dix chansons composent ce nouvel album intitulé Le Monde réel. C’est un disque qui veut embrasser l’univers, traverser montagnes, vallées, océans, glaciers, forêts, depuis la ville où tout est triste et carré. Le premier titre le dit, qui invite à descendre au “dernier appel de la forêt” comme à une gare sur le trajet d’un train qui va trop vite. Il y a de l’inquiétude et de la cruauté dans les textes, mais en même temps, le disque n’est pas dénué d’humour, on sent aussi la volonté d’un grand élan d’apaisement et de réconciliation, un appel par exemple au collectif dans un morceau qui dit sans candeur : “nous n’irons bien qu’avec les autres”. Il y a surtout, comme pour contrebalancer le déclin ambiant, une grande vitalité musicale dans le disque. L’ambition est symphonique, avec des magnifiques cordes, une attention singulière aux harmonies, et des mélodies faussement simples, qui prennent parfois des détours inattendus, il y a du Debussy dans les arrangements, et cerise sur le gâteau, une voix plus libérée, moins rigide. Chaque chanson nécessite plusieurs écoutes pour capter la splendeur musicale et poétique de cet album indispensable.

En voici trois magnifiques exemples :

Le prolifique Benjamin Biolay fait les grandes heures de la chanson française depuis deux décennies déjà, à travers son propre répertoire, ou celui qu’il écrit pour les autres. Personnel et sentimental, Saint-Clair est un disque cousu de sonorités rock, riche en riffs et en guitares qui font penser au groupe américain The Strokes, influence assumée par le chanteur, qui portent sa voix chaude et ses ballades aériennes. Titré en hommage à la ville de Sète, où il réside désormais la plupart du temps, après y avoir passé beaucoup de vacances enfant, Benjamin Biolay se fend de dix-sept titres qui rappellent par moments La Superbe, double album majestueux dans lequel il avait laissé tout son talent s’épanouir. Saint-Clair diffuse son charme notamment avec Les Lumières de la ville, titre où son sens mélodique surprend à nouveau, dans les petits décrochés d’un refrain qui ressemble à un chemin de traverse plutôt qu’à une autoroute pop. Mais aussi avec (Un)Ravel, la confession sans fard d’un homme qui doute toujours, De la beauté là où il n’y en a plus, tout en envolées classieuses, ou Santa Clara, un très beau duo en forme de western symphonique avec Clara Luciani. Sur l'ensemble de l'album, tout roule fenêtre ouverte, vers cette chanson rock dont il connaît les codes par cœur, qu’il s’amuse à travestir de disco, Pieds nus sur le sable, d’électro de fin de nuit, Numéros magiques et habille toujours de sa prose d’amoureux perpétuel, jouisseur invétéré ou écorché repenti. Benjamin Biolay a beau aimer la vitesse, on le suit d'ailleurs avec plaisir, c’est dans ses moments calmes qu’il nous emporte complètement. La puissance des mélodies, les arrangements audacieux, les refrains entêtants, les images véhiculées par les textes, et ce timbre voluptueux, Benjamin Biolay livre un excellent dixième album, enregistré en analogique, sans programmation ni ordinateur, qui oscille entre une belle énergie et une émotion dont il a le secret.

Tami Neilson n’est pas une nouvelle venue. La Canadienne, installée en Nouvelle-Zélande depuis 2007, a déjà publié quatre albums de son mélange de soul, de rock, de swing, de blues et de country. Loin du fourre-tout  que ce mix pourrait suggérer, la diva quadragénaire au look de sympathique vamp gothique propose même un cocktail des plus explosifs porté par son prodigieux registre vocal et de grandioses arrangements. Ses chansons célèbrent les femmes de caractère qui ont refusé de se laisser dominer par les conventions et la loi des hommes. Si Kingmaker, la chanson d’ouverture, captive d’emblée par sa tension cinématographique, Baby, You’re a Gun, superbe ballade western, avec cordes, sifflements à la Ennio Morricone et un chant d’une délicatesse infinie sur le regard assassin des mâles, prouve que Tami Neilson est beaucoup plus qu’une sirène à coffre. Et ce titre n’a rien d’un sommet isolé. Beyond the Stars, renversante valse country en duo avec le vénérable Willie Nelson, idole du père de la chanteuse récemment décédé, et dont la voix brille à 89 ans d’une étonnante fraîcheur, est une splendeur. Plus intemporelle que vieille école, Tami Neilson se glisse avec autorité et naturel dans la peau d’une diva qui marie, avec autant d’aplomb que de sensibilité, féminisme et tradition. Tantôt impétueuse, tantôt délicate, elle livre une admirable ode aux femmes indociles tout au long des dix chansons de cet album d'une magnifique diversité. En voici quatre qui donnent un bel aperçu de son talent.

Enregistré entre Addis-Abeba et Orléans, voici le premier album du sextette franco-éthiopien Kutu. Une mixture fiévreuse de voix puissantes qui vous transpercent, les chanteuses éthiopiennes Hewan Gebrewold et Haleluya Tekletsadik, qui signent les textes et participent à la composition de la musique, de violon teinté d’électro avec le créatif musicien et compositeur Théo Ceccaldi, à l’origine de ce projet, révélation de l’année aux Victoires du jazz 2017 et passé par l’Orchestre national de jazz, de pulsation rock quasi tribale avec la frappe précise du batteur Cyril Atef, de basse et claviers enflammés, Valentin Ceccaldi et Akemi Fujimori. Un mix euphorisant, qui a déjà mis en joie et fait danser le public de nombreux festivals et salles, dont l’intensité rayonne de la première à la dernière note. Mixture de jazz, de rock, d'électro et de dub, qui connecte des musiques ancestrales aux grooves synthétiques, le tout propulsé par l’énergie de ses chanteuses, dont les textes sont des poèmes politiques et féministes, ce premier album de Kutu est une des plus belles découvertes de la rentrée.

Dans le cortège des grandes voix au timbre voilé si caractéristique que le Sénégal a offertes au monde, il faudra désormais compter avec celle de Lass, nouvelle étoile de 37 ans qui nous offre aujourd’hui son premier album comme une petite bombe de vie. Ce chanteur né sans ressources dans la banlieue de Dakar, et mûri par moult galères, transcende dans ses textes en wolof et des mélodies aussi poignantes que lumineuses les avaries d'une vie qui n'allait pas de soi. Lass a en effet bravé l’océan des doutes pour assouvir sa passion : chanter. De la tradition afro-cubaine à l’afro-pop, du reggae à l'électronique, sa musique enthousiasme dès les premières notes et nous entraîne sur treize morceaux que l'on écoute avec un bonheur intense. Et puis il y a sa voix, elle brille comme un feu d'artifice, apaise sur des mélodies plus douces, elle est d'une élégance rare, à la fois puissante, émouvante et souple, on ne peut que tomber sous son charme. On tient ici l'album de l'été.

En voici un aperçu dans les trois clips ci-dessous :

Depuis ses débuts, à l'aube des années 2000, Regina Spektor a démontré une forte originalité et une inépuisable créativité. Par son origine russe (elle a débarqué de Moscou à New-York dans le Bronx à 9 ans), sa culture judaïque, sa formation de pianiste classique, sa voix aux infinies possibilités. Sans oublier ce mélange de distance et de résilience qui nourrit une pop portant sur l’humanité un regard à la fois caustique et tendre. Car même aux tréfonds de la mélancolie, elle sait trouver de la joie dans la musique, avec les arrangements élégants ou les mélodies délicatement acrobatiques que lui autorise son chant élastique. Ce huitième album flirte avec la pop symphonique, sans ne jamais sombrer dans l'emphase. L'inattendu et le charme sont au bout de chaque chanson. Chaque note est méticuleuse, chaque envolée orchestrale magnifiquement travaillée. "Home before and after" est un album éblouissant où l'art mélodique enchanteur et la légèreté de Regina Spektor font merveille. L'artiste a laissé de côté la douce folie de ses œuvres de jeunesse pour ciseler au fil du temps une pop orchestrale sophistiquée, sublimée par sa voix et son goût pour les rythmiques rock et hip hop.