Photos et culture

Les repentis s’ouvre par une scène choc, l’assassinat du politicien Juan María Jáuregui, par les séparatistes basques, membres de l’ETA en 2000.  Cet ancien préfet laisse une fille de 19 ans et une femme Maixabel Lasa, dont le film relate une partie de son histoire. La réalisatrice madrilène Icíar Bollaín a tiré un grand film politique sur le remords et le pardon, où la réconciliation, même si beaucoup persistent à la refuser, n’est pas une utopie. Couronné de trois Goyas, l'équivalant espagnol des Césars, dont celui de la meilleure interprète féminine attribué à Blanca Portillo, que l'on avait déjà aimée dans Volver et Étreintes brisées d'Almodovar, ce film bouleversant décrit la volonté de dialogue de certains terroristes de l’ETA avec les proches des victimes, et comment cette initiative a préparé le chemin d’une paix jusque-là introuvable. Pas de manichéisme ici mais une réflexion pertinente sur le pardon comme réponse à la violence. Pour son huitième long métrage, Icíar Bollaín retrouve Luis Tosar, qu’elle avait précédemment dirigé dans le puissant Même la pluie, douze ans auparavant. En  terroriste, marqué par le remord et la honte, il compose un personnage émouvant faisant face à Bianca Portillo, magnifique en veuve prête à pardonner l’impardonnable. Tous les autres acteurs sont remarquablement dirigés, habités par une authenticité criante. Dans la reconstitution de cette histoire vraie, la cinéaste a trouvé matière à des face-à-face d’une authentique force dramatique. À cela vient s’ajouter une forme de neutralité qui, paradoxalement, devient un atout. Aux échanges qui ont lieu, aucune signification n’est donnée, ni politique ni religieuse. Les mots ne réparent rien, n’effacent rien : ils sont précieux simplement parce qu’il est devenu possible de les dire, de les écouter. Le dialogue ne veut rien prouver, mais il prend la place de la violence, qui n’aura pas le dernier mot. Pour mémoire, l’ETA, créé en 1959, en réaction au franquisme, a mené une lutte armée pendant plus de cinquante ans, causant la mort sur le territoire espagnol de 837 personnes (dont 506 policiers et militaires). En Espagne, ce film qui évoque des blessures toujours douloureuses a été accueilli comme un événement majeur et a remporté un important succès. Ce n'est que justice, tant la cinéaste refuse le manichéisme en multipliant les interactions entre les personnages aux positions contradictoires, interrogeant par là le spectateur, sans lui imposer une lecture confortable du prêt à penser si courant dans le cinéma militant.

Les repentis est à voir ici pour 4,99 € en location ou sur toute plateforme de VOD.

Après les trois titres de l'extraterrestre Léon Marchand, la natation française a un nouveau champion du monde. Maxime Grousset a été impérial lors de la finale du 100 m papillon, ce samedi à Fukuoka. Le Français de 24 ans a été sacré champion du monde avec une marque de 50''14. Il a parfaitement résisté au retour du Canadien Josh Liendo (50''34). L'Américain Dare Rose (50''46) complète le podium. En explosant au passage le record de France (50''61 avant), Grousset obtient sa troisième médaille lors de ces Mondiaux, après deux médailles de bronze glanées sur 50 m papillon et 100 m nage libre. C'est son premier titre mondial en individuel. C’est l’histoire d’un sprinteur qui nage pour la première fois un 100 m papillon dans des championnats du monde et qui se retrouve médaillé d’or moins d’une minute plus tard avec la cinquième meilleure performance de l’histoire. C’est peu dire que le jeune homme apprend vite. D’un battement d’ailes, la chenille Grousset s’est transformée en papillon doré.

Emma, l’entremetteuse imaginée par Jane Austen, révèle toutes ses nuances dans cette belle adaptation produite par la BBC en 2009. Quatre épisodes d’une heure permettent d’affiner chaque personnage, notamment de nuancer le portrait d’Emma, d’abord perçue comme une grande enfant qui manipule les êtres comme des poupées, et que l'on va découvrir peu à peu bien plus sensible qu'il n'y paraît. Sous l’art maîtrisé et vachard de la conversation et les tourments sentimentaux, l’adaptation de Sandy Welch restitue la mélancolie, souvent oubliée, du roman d’apprentissage, en composant une délicate chronique de l'Angleterre provinciale du XIXe siècle. Des paysages bucoliques aux costumes d’un raffinement exquis, des comédiens très inspirés avec un mention spéciale pour Romola Garai et Jonny Lee Miller, cette minisérie distille un charme assez irrésistible, sans oublier d’être piquante.

Emma est à voir ici ou sur le replay d'Arte.

Révélée en 1990 par sa version renversante d’un morceau de Prince, Nothing Compares 2 U, Sinéad O'Connor a ensuite mené une carrière atypique, ponctuée par les soubresauts d’une quête aussi religieuse que musicale. Elle s’est éteinte mercredi à l’âge de 56 ans. Depuis cette date, le clip, vu des millions de fois, a imprimé à jamais le visage nu, en gros plan fixe, où finissent par couler des larmes tant l’interprète met d’intensité dans une chanson de rupture mutée en cantique ultime. Derrière ce fascinant visage au cheveu ras s’agitent des tempêtes passées et à venir. Il n’y a rien eu de lisse ni d’harmonieux dans la vie de Sinéad O’Connor. Née à Dublin le 8 décembre 1966 dans une famille catholique, la jeune Sinéad grandit au milieu d’une fratrie de cinq que le divorce des parents déchire. Elle racontera plus tard son enfance traumatisante :  sa mère alcoolique et tyrannique qui la bat et lui fait subir des sévices sexuels, le placement dans un couvent guère plus réjouissant, où elle garde des souvenirs terribles de cette période. La chanteuse sera parmi les premières à témoigner des mauvais traitements qu’elle y a subis ; il faudra des années pour que l’Irlande et l’Église regardent dans les yeux ce volet honteux de leur histoire qui s’est traduit par des dizaines de milliers de cas de sévices, de femmes brisées à vie, de découverte de fosses communes clandestines où étaient oubliés des centaines de bébés et d’enfants. Puis, le salut viendra dans un internat plus ouvert, où un prof d’irlandais encourage ses velléités d’écriture. Le succès international lui tombe dessus dès son deuxième album à 23 ans, tout le monde croit voir alors une nouvelle star mise en orbite, sauf Sinéad O’Connor elle-même, qui refuse un Grammy awards et les diktats de l’industrie musicale, et compte plutôt faire de sa notoriété une tribune pour défendre de nombreuses causes. Elle critique vivement l’Église catholique, qu'elle accuse de ne pas avoir protégé les enfants victimes de violences sexuelles. En 1992, elle déchire à la télévision américaine une image du pape Jean-Paul II. Devenue une star en deux disques, la chanteuse fait un pied de nez à l’industrie, qui entend miser sur son image de belle jeune femme et se rase le crâne. Son message est clair : c’est la musique que les fans doivent apprécier, pas le physique de son interprète. De sa discographie, composée de dix albums, celui paru en 2012, How About I Be Me (And You Be You)?, est une merveille où la voix de Sinéad O’Connor est plus que jamais bouleversante, elle lui donne tout un panel de couleurs, tantôt douce avec un léger voile qui donne des frissons, tantôt puissante pour exprimer une douleur, elle la module du grave à l’aigu avec une étonnante facilité. Peu épargnée par la vie, elle sera une nouvelle fois percutée par l’horreur quand son fils de dix-sept ans se suicide en janvier 2022. La chanteuse, dépressive, confie ne plus avoir envie de vivre, demande à être hospitalisée. Sinéad O’Connor, voix d’exception, personnage excessif et attachant, ne lui aura survécu qu’un peu plus d’un an.

Ci-dessous, Nothing compares 2 U, magnifiquement interprétée en concert, une claque monumentale de 5 minutes 30, mais aussi le clip envoûtant avec Sinéad en gros plan (il est tout en bas), également deux extraits du superbe album How About I Be Me (And You Be You)? qui n'est plus disponible aujourd'hui sur les plateformes !

Magistral, Léon Marchand s’offre une deuxième médaille d’or aux championnats du monde de natation, la quatrième de sa carrière. Trois jours après avoir battu le record du monde de Michael Phelps sur 400 m 4 nages, Léon Marchand a décroché son premier titre mondial sur 200 m papillon, devenant le premier nageur français champion du monde sur la distance. Parti prudemment, il a pris la tête après 75 mètres de course et ne l'a plus quittée jusqu'à l'arrivée. Outre sa puissance développée et son exceptionnelle coulée, sa gestion technique lui a permis de maîtriser sa course avec une impressionnante limpidité. Le Toulousain a battu le record de France et signé la meilleure performance mondiale de l'année. Où s'arrêtera-t-il ? La question se pose course après course. Il pourrait très bien aujourd'hui, jeudi 27 juillet, ajouter un nouveau titre de champion du monde à son palmarès, vu qu'il s'est qualifié pour la finale du 200 m 4 nages. Il deviendrait ainsi le nageur français le plus titré de l'histoire aux championnats du .monde, à seulement 21 ans !

Pour voir Léon Marchand dans ses œuvres, c'est ici.

Giuseppe Tornatore, le réalisateur de Cinema paradiso, signe un grand documentaire sur Ennio Morricone, maestro de la musique de films. Illustré par une phénoménale compilation d’archives, le film s’appuie sur une série d’entretiens inédits où, pour la première fois, cet homme très discret évoque sans détour les moments clés de son existence, et détaille surtout la genèse de ses partitions. Il faut absolument l’entendre fredonner ses musiques les plus célèbres (Il était une fois dans l’Ouest, Le Clan des Siciliens…) et expliquer comment il a superposé les thèmes, choisi les arrangements, combiné voix, bruits et instruments pour coller à telle ou telle scène. Souvent inspiré, le montage glisse du témoignage à l’image, et permet de découvrir, grâce à de larges extraits de films, comment les intentions d’Ennio Morricone sont devenues partitions. Issu d’un milieu modeste, promis à une carrière de compositeur classique, ce féru de contrepoint et de musique expérimentale est pourtant passé de l’autre côté du miroir à la fin des années 1950. Beaucoup de témoignages élogieux de personnalités de tous horizons dans ce documentaire, dont certains plus pertinents que d'autres comme ceux de Bernardo Bertolucci ou de Clint Eastwood, qui éclairent le génie singulier du maestro, sa faculté à savoir immédiatement devant l’image quel chemin et quelles sonorités emprunter. Avec quelque 500 bandes originales de films et plus de 70 millions de disques vendus dans le monde, Ennio Morricone a construit une œuvre monumentale qui inclut également des compositions symphoniques contemporaines, de la musique de chambre et des accompagnements de chansons. Personne n’a su créer comme lui des musiques de films aussi entêtantes, instantanément génératrices de nostalgie. Giuseppe Tornatore détaille parfaitement le processus qui a graduellement transformé un petit trompettiste en géant musical du XXe siècle. L’aura d’Ennio Morricone est immense, au point qu’elle l’a consolé de ne pas avoir réussi à abandonner la musique de film pour la composition savante. Il a fini par comprendre que travailler pour le cinéma n’était pas déshonorant, et qu’en restant dans ce domaine, son impact et son influence ont été plus indélébiles que s’il avait été un artiste discret œuvrant pour une chapelle d’initiés. Outre le bonheur de réécouter ses musiques et de revoir les extraits de films qui vont avec, ce documentaire est un passionnant et émouvant récit de l'acte de création.

Ennio est à voir ici pour 4,99 € en location ou les plates-formes de VOD.

L'an dernier à Budapest, Léon Marchand avait frôlé le record du monde du 400 m 4 nages détenu par Michael Phelps. Il l'a battu ce dimanche en finale des Mondiaux de Fukuoka (Japon) et s'offre un troisième titre mondial, son deuxième de suite sur cette épreuve. Le Toulousain de 21 ans a effacé des tablettes le nageur le plus médaillé de tous les temps avec un chrono de 4'2''50. Le précédent record était de 4'3''84 pour Phelps, présent au bord du bassin pour admirer la performance.

Le musée d'Orsay réunit et confronte deux artistes essentiels de la fin du XIXe siècle : Manet et Degas. Une relation complexe entre émulation, rivalité, influence ou domination de l'un sur l'autre. Cette superbe exposition permet de comprendre l’un à partir de l’autre, en examinant aussi bien leurs ressemblances que leurs différences, voire leurs divergences. Chez Manet (1832-1883) et Degas (1834-1917), les analogies ne manquent pas, des sujets aux options stylistiques, des lieux où ils exposèrent à ceux où ils se croisèrent, des marchands aux collectionneurs sur lesquels s’appuyèrent leurs carrières indépendantes. C'est un mano a mano spectaculaire et subtil entre les deux plus grands peintres français de leur époque. La qualité des œuvres réunies, l’intelligence de l’accrochage, ses effets-miroirs édifiants sans être appuyés, la façon dont la confrontation des tableaux lève le rideau sur la biographie, la psychologie, la sociologie, la politique de ces hommes et de leur temps, tout alimente l’œil en les éclairant l’un par l’autre. L’un aimait briller, l’autre préférait l’intimité de son atelier. Malgré bien des différences et une fâcherie devenu fameuse, les deux artistes ont cultivé une amitié solide, dont les antagonismes fréquents sont la marque de fabrique. Sans cette rivalité permanente, ces deux peintres ne seraient peut-être pas si immensément célèbres. Provenant, entre autres, des collections du musée d’Orsay, mais aussi de la National Gallery de Londres et du Metropolitan Museum of Art de New York, qui a coorganisé l’exposition et où elle se tiendra à l’automne, deux cents œuvres, des peintures toutes plus belles les unes que les autres, des dessins, des gravures, des pastels, des lettres et des carnets, racontent et montrent, de façon thématique et chronologique, comment cette émulation a poussé les deux maîtres toujours plus loin dans leurs recherches artistiques. Comment l’un et l’autre, sous leurs allures de grands bourgeois qu’ils étaient, ont cherché à révolutionner la peinture en la faisant sortir du cadre convenu pour montrer la vie comme elle est. Comment ils ont inventé la modernité dans la seconde moitié du XIXᵉ siècle. Manet et Degas, dont on emboîte le pas salle après salle avec ravissement, partagent les mêmes cercles sociaux, les mêmes loisirs, la même ville, la même ambition artistique : restituer la vie moderne. En commun aussi, les deux ont le goût de la grande peinture, Degas, qui vénère Ingres, ne lâche pas son amour de la ligne pure, Manet, nourri à Delacroix et Géricault, aspire au réalisme et à la couleur. S’il est impossible de citer la multitude de chefs-d’œuvre réunis, ni de sortir un vainqueur de cette confrontation, où selon les thèmes on préfère Manet et selon d'autres, Degas, une chose est sûre, le visiteur se régale.

Manet/Degas est à voir au musée d'Orsay jusqu'à demain, dimanche 23 juillet.

Dans son nouveau film, Nanni Moretti filme et joue son alter ego avec humour et causticité. Les légendaires obsessions morales du cinéaste italien sont là mais la drôlerie se révèle plus généreuse et rafraîchissante. Nanni Moretti, 69 ans, dans la peau de Giovanni, cinéaste grincheux et désabusé, limite misanthrope, qui feint d’être dépassé avec une modestie sans doute fausse. Le réalisateur italien a bien conscience de penser que c’était mieux avant, mais il s’en amuse avec un mélange assez audacieux d’ironie acide et de mélancolie à prendre au premier degré. Ce Giovanni a de faux airs de Woody Allen avec ses antidépresseurs, ses monologues et son monde qui s’écroule autour de lui comme un château de cartes. Mais ce que raconte Nanni Moretti, ce n’est pas seulement la crise d’un homme mûr. C’est celle du cinéma, à qui le réalisateur adresse une poignante déclaration d’amour à l’heure où, en Italie, les salles obscures peinent à retrouver la lumière après la crise du Covid. L'acteur et réalisateur campe un metteur en scène bougon et insupportable, affligé par ses proches qui le désespèrent, par son pays qui a oublié son passé, et par un univers des images où prospèrent les apôtres du formatage. Le constat est amer, voire pire, mais Moretti refuse l'apitoiement et la complaisance. Comme à ses plus belles heures il préfère en rire (jaune), notamment dans deux scènes hilarantes : l'une où il interrompt le tournage d'un confrère réalisateur décervelé et parle merveilleusement, en invoquant Tu ne tueras point de Kieslowski, de la violence au cinéma, de sa nécessité et de sa morale, l'autre où il s'engueule avec les représentants de Netflix. Le cinéaste entraîne le spectateur dans un récit buissonnier où les chansons de variété italiennes châtient la morosité et où le pouvoir utopique du cinéma contredit la litanie accablante de la triste réalité. Entouré de ses fidèles et merveilleux acteurs que sont Margherita Buy et Silvio Orlando, et avec un humour qui, plus que jamais, sert d'antidote à la désespérance, Nanni Moretti, dans ce Vers un avenir radieux qui prend parfois des allures de testament, signe un nouveau chapitre inspiré de son grand roman personnel et national avec cette foi sans faille dans le cinéma, qui a le pouvoir de réparer les blessures d’amour, de changer le cours de l’histoire, ou de faire marcher des éléphants en plein cœur de Rome. 

Sans doute ce qu'il y a de mieux cette année en matière de blockbuster hollywoodien, Mission : impossible - Dead reckoning, comme les six autres films de la franchise, est mené tambour battant et saupoudré de scènes d’action ahurissantes, avec un héros à l’ancienne qui se frotte à son époque dans un univers 2.0. Après le carton au box-office l'an dernier de Top Gun : Maverick, Tom Cruise a plus que jamais le vent en poupe. Par ailleurs, on ne dira jamais assez à quel point la saga Mission : Impossible est à part dans le paysage hollywoodien. Elle s'est démarquée par la diversité de cinéastes à sa tête (De Palma, Woo, Abrams, Bird, McQuarrie), et par leur manière d’avoir dynamité les acquis de la série originelle des années 60. Chacun y a apporté son style, ainsi que son bagage cinéphile, de sorte à faire de ce socle d’espionnage et d’action un retour boosté aux hormones aux classiques du suspense, de Fritz Lang à Hitchcock. Il y a d’ailleurs un paradoxe amusant à voir les films se reposer autant sur des gadgets et autres machines à masques, pour mieux les rendre hors-service le moment venu. La technologie est bien utile pour l’imaginaire de la franchise et certaines de ses idées situationnelles, mais le corps actant de Tom Cruise prédomine toujours dans le sauvetage de situations désespérées. Cette tension permanente entre classicisme et modernité est à la fois fascinante, et bien utile à la légende que se façonne la star. À soixante et un ans, Tom Cruise s’impose en dernier dinosaure d’un cinéma de divertissement exigeant et artisanal, où la quasi absence d’effets visuels numériques met en avant la vérité d’une performance physique sans artifices, et de cascades à l’ancienne. L'apologie du risque comme paramètre nécessaire à l’équation créative fait de chaque Mission : Impossible un acte de résistance. Presque partout ailleurs, Hollywood a abdiqué. Les actionnaires ont pris le contrôle des grands studios et s’illustrent, avant toute chose, par leur aversion au risque. C’est le règne des fonds verts où l’essentiel des scènes se joue en post-production, derrière un ordinateur. Le degré zéro de l’initiative, de la nouveauté. Non pas que Mission : Impossible soit dénué d’effets spéciaux numériques, mais il revendique encore la promesse d'Hollywood : montrer ce qu’on ne verra nulle part ailleurs, et élever la cascade à l’état d’art incandescent. Ce septième volet de Mission : Impossible, qui met en valeur de beaux personnages féminins et n'est pas dénué d'humour, réussit une nouvelle fois son pari de nous offrir un pur spectacle de cinéma hyper-spectaculaire, hyper-physique, sans oublier d’être séduisant, et nous donne rendez-vous dans un an pour la suite.